Сказочные сюжеты и образы в творчестве И. Стравинского.

Сказка – это особый, удивительный мир, знакомый каждому с детства. В

сказочном мире тесно переплетаются вымысел и реальность, там живут

волшебство и чудо, удивительные герои и невиданные существа.

Многие

русские

композиторы

обращались

к

сказке

и

сказочно-

фантастическим

образам

в

своем

творчестве,

среди

них М.И.

Глинка,

П.И. Чайковский, Н.А. Римский-Корсаков, А.К. Лядов и многие другие. Не

оставил без внимания сказочную тему и И.Ф. Стравинский. Какие же сказочные

сюжеты и образы привлекли внимание композитора?

Одним из самых ярких и запоминающихся стал образ Жар-птицы в

одноименном балете Стравинского, написанном по заказу Сергея Павловича

Дягилева для «Русских сезонов» в Париже. Стравинскому было представлено

готовое либретто, созданное выдающимся хореографом начала XX века,

работавшим тогда в труппе Дягилева, Михаилом Фокиным.

В основу сюжета положены мотивы русских народных сказок о Жар Птице

и Кощее Бессмертном. Яркую, красочную музыку Стравинского дополняли

роскошные декорации, сделанные по эскизам художников Головина и Бакста.

Что мы

знаем о

Жар-птице?

В

собрании сочинений Александра

Афанасьева Жар-птица - проходящий, мимолетный образ. Ни в одной из сказок

Жар-птица не действует самостоятельно. Известно лишь, что живет она в

золоченой клетке во владениях какого-нибудь заморского царя и, летая на воле,

любит клевать золотые яблочки. Перья Жар-птицы блистают серебром и

золотом, глаза светятся как кристалл, а сидит она в золотой клетке. В глубокую

полночь прилетает она в сад и освещает его собой так ярко, как тысяча

зажженных огней. Одно перо из ее хвоста, внесенное в темную комнату, может

заменить самое богатое освещение. Такому перу, цена ни мало, ни много -

побольше целого царства, а самой птице и цены нет! Жар-птица прекрасна, но

очень опасна: «Не бери пера – будет беда!» - говорится в сказке.

1

В музыкальном театре Жар-птица - новый фантастический образ. Она мало

напоминает сказочных героинь, созданных в операх Римского-Корсакова -

Царевну Лебедь и Снегурочку. Жар-птица – символ бесценной, недостижимой,

абсолютной красоты. В этом её сила. Авторы балета сознательно не наделили

Жар-птицу никакими чертами человеческого характера.

Идейно-художественный

замысел

«Жар-птицы»

не

предполагает

активного слушательского или зрительского сопереживания. Главная задача

авторов балета - создать образ, способный стать объектом длительного

созерцания

и

любования.

Этой

художественной

задаче

подчинены

музыкальные средства, отобранные Стравинским.

Чтобы передать в музыке ослепительный свет и обжигающий ветер,

которые сопровождают полёт Жар-птицы, Стравинский мастерски использует

все краски современного ему оркестра: челесту, арфу, ксилофон, тремоло

струнных. При этом ему удается построить сцену на одном мотиве, который

остается неизменным, а основное внимание композитор уделяет его тембровым

превращениям. Жар-птица рождает ощущение неуловимости, а хореография

воплощает «состояние полета».

Появление Жар-птицы сопровождается включением красного света на

сцене. Костюм так же имеет красно-золотистый оттенок. Выбран, он не

случайно, красный цвет символизирует пламя жизни, огонь.

Образу Жар-птицы противостоит мрачное, давящее царство Кощея.

«Поганый пляс Кощеева царства» - это кульминация и итог музыкальной

сказки. Дикий, грозный и устрашающий, словно неживой танец. Он насыщен

стихийной силой, острыми ритмами и гармониями. Кроме того балетмейстер

построил «Поганое царство» на угловатых, иногда уродливых, иногда смешных

движениях.

«Чудища

ползли

на

четвереньках,

прыгали

лягушками…,

переплетали руки узлами…». Все это способствовало воплощению ужаса и

уродства.

2

Световая партитура «Пляса» выражена в темных тонах. Темно-зеленый,

темно-синий,

черный,

серый.

Такая

цветовая

палитра

символизирует

таинственность, загадочность и мощь Кощеева царства.

Успех балета превзошел все ожидания. Экзотичностью, красочностью,

таинственностью «Жар-птица» ошеломила и околдовала Париж, который

рукоплескал русскому балету. Балет признали «чудом восхитительного

равновесия между движениями, звуками и формами».

В

1914

году

Стравинский

для

Дягилевской

антрепризы

пишет

миниатюрную оперу «Соловей» по известной сказке Х.К.

Андерсена. Её

содержание сводится к состязанию живого соловья и искусственного при дворе

китайского императора. Поначалу живой соловей имеет меньший успех у

придворных, чем механический. Но когда смерть угрожает императору,

настоящий соловей поет так нежно и сладко, что смерть отступает и император

возвращается к жизни.

Избежать страшной участи императору удается

благодаря целительной силе искусства, воплощенной в пении Соловья.

Партия живого соловья в опере поручена высокому сопрано. Она изящная

и изысканная, насыщена виртуозными колоратурами. В техническом плане она

чрезвычайно сложна.

Добиться эффекта птичьего пения крайне сложно даже

самым виртуозным певицам.

Соперник Соловья – механическая птица. Механизм не может иметь

человеческого голоса и «Игра искусственного соловья» передана в блестящем

оркестровом номере, в котором Стравинский использует все богатство

инструментальных возможностей и тембров

.

Но при этом он лишен живого

дыхания и душевной теплоты.

Через шесть лет, Стравинский переделал оперу в симфоническую поэму

«Песнь соловья», поставленную как балет.

Академик Борис Асафьев считал

данный опус одним из самым живописных и красочных произведений русской

музыки.

3

Следующим произведением Стравинского, написанным на сказочный

сюжет, стала «Байка

про Лису, Петуха, Кота да Барана».

К его созданию

Стравинский приступил в 1916 году, сам составил либретто.

Сюжет «Байки» был заимствован из сборника сказок Александра

Афанасьева – это была сказка про хитрую Лису, хвастливого Петуха, и

спасающих его Барана и Кота. Также был использован и другой известный

сказочный сюжет – о Лисе, которая выставляет свой хвост из норы, полагая, что

он ей только мешает.

Стравинский определил «Байку» как

«

веселое представление с пением и

музыкой». По существу это балет, но балет необычный – с пением.

На сцене балетными танцорами разыгрывается пантомима, которая

сопровождается вокальным квартетом и оркестром весьма оригинального

состава. В нём струнные и деревянные духовые представлены только одним

инструментом каждой группы, зато

велико количество ударных, среди

которых есть и венгерские

цимбалы

. В своих воспоминаниях Стравинский

утверждает,

что

музыка

была

внушена

ему

гуслями

–

народным

инструментом, который Баран носит в последней части пьесы и который

имитируется в оркестре цимбалами: «Гусли предполагают прикосновение

человека к струнам, и юмор «Байки» отчасти заключается в том, что на

инструменте, требующем исключительно быстрой пальцевой техники, Баран

играет своим раздвоенным копытом».

Музыкальный жанр «Байки» своеобразен: он связан и с традициями

русского скоморошьего представления и с театральными традициями позднего

европейского средневековья - карнавальными шествиями со зверями

и с

мадригальными комедиями. Стравинский использует прием «обезличивания»

героев

,

то есть сознательное несовпадение конкретного, танцевального облика

героя с его звуковым выражением. Так,

в «Байке» одни и те же голоса

(например, два тенора) исполняют и реплики хитрой Лисы, и ответы Петуха.

Накануне Первой мировой войны Стравинский уезжает в Швейцарию и

1917 начинает работу над своим новым сочинением. Им стала опера-балет

4

«История солдата». На этот раз в основу сюжета легли две сказки из сборника

Александра Афанасьева о беглом солдате, встретившем черта.

Это страшная история о том, как черту благодаря всяким ухищрениям

удается похитить у солдата душу. Солдат меняет свою скрипку на чудесную

книгу, содержащую ответы на все вопросы жизни. Следуя советам из книги,

солдат становится сказочно богатым. Но богатство не приносит ему счастья. Он

рвет книгу и отправляется бродить по свету. И, хотя герой исцеляет от болезни

принцессу и женится на ней, сам он по-прежнему остается русским солдатом.

История заканчивается трагически: солдат отправляется на родину, чтобы

повидать мать, нарушая дьявольский договор, в результате чего попадает в ад.

Количество ролей в сказке не велико - Солдат, Черт, Принцесса и Чтец. На

фоне инструментальной музыки Чтец произносит текст, в том числе и диалоги.

Остальные персонажи воздействуют на зрителя различными художественными

средствами: Дьявол и играет и танцует, Принцесса только танцует, а Солдат

ограничивается пантомимой.

Музыка построена Стравинским в форме балетного дивертисмента - по

типу сюиты XVIII века, но в ней отсутствуют старинные танцы. Вместо них

композитор использует танцевальные жанры 19 века и современные – это

вальс, танго, фокстрот, регтайм.

Все

произведение

завершается

Триумфальным

маршем

Дьявола

-

торжеством злых сил.

Жанр «Истории солдата» Стравинский определяет так: «Сказка о беглом

солдате и черте, читаемая, играемая и танцуемая». По замыслу композитора,

это должна была быть легкая в театральной интерпретации вещь, которую

можно было бы показывать в городках и даже деревнях как представления

бродячих артистов. Но задуманный проект передвижного театра не был

осуществлен. В 1918 году «История солдата» была поставлена в Лозанне, а

спустя 5 лет в Париже.

В 1928 году к 35 годовщине со дня смерти Чайковского Стравинский

сочиняет балет «Поцелуй феи».

По выражению самого композитора ему

5

«хотелось как-то поклониться мастеру», выразить свою любовь. Он задумал

построить партитуру нового балета на мелодиях любимого им русского

композитора.

В

поисках

сюжета

Стравинский

вновь

обращается

к

творчеству

Х.К. Андерсена и его выбор останавливается на очень красивой и романтичной

сказке «Ледяная дева».

В скандинавском фольклоре Ледяная Дева, Фея Льдов,

Снежная Королева – классический персонаж, странный и загадочный образ

холодной, бесчувственной повелительницы Севера.

Стравинский

переработал

сюжет

сказки,

фактически

став

автором

либретто. Он развил данную тему балета следующим образом: фея отмечает

таинственным поцелуем ребенка и разлучает с матерью, но 20 лет спустя, когда

молодой человек достигает величайшего счастья, фея вновь дарит ему роковой

поцелуй и похищает у земли, увлекая в страну вне времени и пространства.

Фея у Стравинского – это образ зла и коварства. Она способна

перевоплощаться, являясь к юноше то в облике Матери, то под видом Цыганки,

то притворяясь его Невестой. В раскрытии многоликого образа Феи, а также в

понимании и трактовке событий происходящих на сцене ключевую роль играет

оркестр, его тембровое многообразие.

Балет имеет аллегорический смысл - ведь муза Чайковского сродни этой

фее. Подобно Фее, Муза отметила Чайковского своим поцелуем, отпечаток

которого несет на себе каждое творение композитора.

В заключении отметим, Игорь Стравинский имел особое тяготение к

музыкальному театру. И именно в этой сфере так ярко и оригинально

воплотились сказочные сюжеты и образы. Кто-то может заметить, что в

творческом наследии композитора, таких произведений не так уж и много, но

каждое из них отличается самобытностью и новаторским подходом к

претворению творческого замысла. Игорь Стравинский и здесь остается

великим экспериментатором и

«мастером неожиданностей».

6

Литература

1. Асафьев, Б. Книга о Стравинском – Москва,1977.

2. Баева, А. А. Оперный театр И. Ф. Стравинского - М.: Красанд, 2009.

3. Друскин, М. Игорь Стравинский. Личность. Творчество. Взгляды - М.:

Советский композитор, 1979.

4. Стравинский, И. Ф. Статьи и материалы - М.: Советский композитор, 1973.

5. Ярустовский, Б. Игорь Стравинский - М.: Музыка. Ленинградское отделение,

1982.

7